« Lumières quotidiennes » l’exposition du peintre Jean Matrot à la Galerie La Source (Fontaine les Dijon) en février 2015.
Le public est content! « Enfin du figuratif à La Source! Enfin une belle exposition! » Tant mieux pour ces visiteurs qui y trouvent leur compte. Pensez donc! Des vues de Dijon, des portraits… Le bonheur! On n’est pas perdu au moins!
Mais rassurez-vous, malgré mon ton sarcastique, je ne vais pas, pour autant, dire de mal de cet artiste.
Vous savez que l’art, pour moi, a bien d’autres chats à fouetter que de reproduire la réalité… En conséquence, tout ce qui est gentille représentation d’un paysage, sans autre projet, sans autre démarche me laisse froide (et triste).
Ici, avec Jean Matrot, je vois un réalisme un peu étrange, et ça me convient! Là où certains visiteurs critiquent une certaine immobilité, une certaine froideur dans ses toiles, moi je vois une vision personnelle de l’artiste. Celui-ci compose un univers à partir du réel. Son propre univers. Qui correspond à lui. Ce sont bien sûr des petites scènes très françaises (rues et places de Dijon, enfants et parents au jardin public, vues d’un marché, baigneurs au bord de l’eau, poubelle et mobylette dans un coin de la ville, consommateurs au comptoir d’un bar…). Du quotidien, du banal, du concret, du connu… Rendu avec un caractère presque photographique (cadrages, effets d’éclairages, mises en scène, usage des lignes obliques…). Mais…
Les personnages de ces scènes sont anonymes, au point, à la limite, d’être des ectoplasmes. D’ailleurs, parfois, il y a même absence d’êtres humains. Le vrai personnage, c’est la lumière. Jean Matrot la travaille avec soin. Il y tient. Et c’est elle qui crée le tableau, en lui communiquant un climat particulier, un caractère irréel, une illusion de réalité…D’où vient cette énigmatique lumière? Qui fait tant de belles ombres, qui blanchit les choses, qui éblouit pour mieux assombrir, qui fait flasher les reflets dans vitres, verres et lunettes? Aurait-elle arrêter le temps, figer le monde?
Je n’oserais pas trop dire que cet artiste se rapproche du naturalisme très particulier de Hopper… Mais on y pense quand même!
Restent les portraits… C’est autre chose. Au premier étage de la Galerie, ils impressionnent par leur très grand format et leur réalisme exacerbé. Une belle réussite technique. Et cette fois, ces personnages-là sont bien présents. Celui qui vous regarde du fond du couloir (belle perspective grâce à la disposition si géniale des espaces de cette Galerie) …C’est saisissant!. A voir, l’autoportrait de l’artiste! Qui vous guette justement lui aussi au fond du couloir! (ce n’est pas la photo ci-contre)
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Janvier 2015: au musée des Beaux Arts de Dijon: l’exposition « d’un salon à l’autre » de Zhu Hong…C’était à voir.
J’avais découvert le travail de cette artiste plasticienne, Zhu Hong, à Talant en 2010. Et déjà j’avais été très intéressée par le regard qu’elle porte sur l’art, par les questions qu’elle pose à son propos, tout en délicatesse, en suggestions, comme à voix basse.
« Dans le musée » (série de l’artiste montrée dans la première salle de cette expo dijonnaise), on voit, peints par Zhu Hong, des morceaux de tableaux ou de cadres, la chaise d’un gardien, une caméra de surveillance, un visage de visiteur devant une oeuvre, un infime détail de peinture, un cartel… Parfois, le mur ou le parquet occupe davantage de place sur la toile que le sujet lui-même! Humour? Peut-être. Mais en tout cas une sacrée vérité sur ce que notre oeil (notre cerveau) peut percevoir et retenir d’une balade au musée!
Ce regard décalé de Zhu Hong pourrait être celui d’un photographe: contreplongée, zoom, coup d’oeil personnel…
C’est un peu notre rapport aux oeuvres d’art anciennes qui est finement analysé ici, sous formes de fragments de souvenirs, d’images balayées, d’attentions détournées et, soudain, d’arrêts sur image….
La palette de l’artiste est extraordinairement pâle et douce, tout en teintes pastel, en couleurs voilées, assourdies… Des beiges rosés, des gris clairs, des blancs bleutés… Dans sa série des mains (« de la main à la main ») les dessins (mains extraites de peintures célèbres, de Dürer à Michel Ange) sont à peine perceptibles. Il faut s’approcher, attendre, laisser venir l’image. Et, comme arrivée des lointains de la mémoire, elle nous parvient enfin. Avec Zhu Hong, on est toujours entre visible et invisible, entre flou et net, entre réel et illusion.
N’oubliez pas de regarder son petit livre d’artiste, au format carte postale: « Villa des délices ». Les dessins précis sur papier calque viennent s’appliquer sur des taches d’encre diluée, donnant l’impression qu’ils se délitent, s’effacent peu à peu, s’évanouissent.
Je pourrais encore parler de sa façon d’organiser son exposition: petits formats disposés comme les fragments d’un puzzle, longue toile étroite posée au sol et appuyée au mur (comme avant un accrochage), série de petits cadres, impressions numériques collées au mur pour recréer l’image d’un salon XVIIIème (salon Gaulin), tableaux sur le thème de la fenêtre cachés dans une petite salle où l’on pénètre après avoir poussé un rideau blanc etc.
Je pourrais encore parler de ce travail d’artiste contemporaine fin, précis, documenté, recherché, élégant, signifiant…
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A la Galerie La Source, Fontaine-lès-Dijon, une expo de photos était à voir en décembre 2014: Matthieu Chèneby et sa « Nature morte? »
On a tendance à toujours vouloir rapprocher photo et peinture! Devant une peinture: « C’est beau! On croirait une photo! ». Devant une photo: « C’est beau! On dirait une peinture! » Comme si les deux arts ne pouvaient pas vivre leur existence propre! Certes, au départ, ils ont la même raison d’être: rendre la réalité. Et en garder le souvenir.
Mais, franchement, l’art (peinture, photo ou autre !) est bien autre chose qu’une reproduction de la réalité; ça part de là, ok, mais ça va plus loin, ça remanie, ça bouscule, ça révèle, ça invente.
A propos de cette expo de Matthieu Chèneby, voici une ou deux de mes remarques:
Sa série « Infrarouge »: L’objet, on le reconnait. Ampoule, cornet de frites, appareil photo etc. Et pourtant, il n’est plus l’objet connu. Avalé par le décor. Figé dans une matière. Coulé, moulé dans une couleur (un monochrome rouge étonnant). Il n’existe plus. Il pourrait être une sculpture. Il pourrait être une peinture. Il a quitté ce monde. Entré dans un autre univers. Et tous ces objets choisis par Matthieu Chèneby deviennent anonymes, et même presque homonymes! Ont tendance à perdre leur identité.
Sa série « Melancholia »: Une belle mise en valeur du noir. Eclaboussures. Reflets. Déchirures de noir. Petites failles blanches. Clapotis d’argent. Des poésies en noir et blanc. Et présentées comme des calligraphies asiatiques.
Sa série « United Colors »: Un travail de photographe sur la couleur. A la recherche de sa chair, de sa musique, de ses rapports à la lumière, de ses profondeurs, de ses fusions…
L‘espace « Entrée Libre » de la Caisse d’Épargne, à Dijon, rond point de la Nation, recevait l’artiste Benvinda Miguens Velez en février 2015.
J’aime ceux de ses personnages qui nous tournent le dos, qui partent au loin, happés par le décor qui les dévore peu à peu. Ils sont déjà dans leur propre avenir. On reste là, un peu idiots, à les voir s’éloigner vers une destinée qui ne nous regarde plus. Ces toiles de la série que Benvinda Miguens nomme ses « foules » ont donc un sujet intéressant. Mais pas seulement. Elles ont aussi des fonds très travaillés: des supports où apparaissent parfois des matières comme sable ou gaze, des encres colorées, des peintures très diluées ou des pâtes épaisses…Le tout avec une palette discrètement joyeuse, tout en finesse. L’artiste peint ses toiles posées à plat par terre. Elle est à genoux devant elles!
Elle complète ce travail par des sculptures en raku, dont certaines évoquent également des foules. Personnages à petites têtes, filiformes, serrés en un seul bloc…
Autre face de son travail: des images féminines. Longilignes. Peinture ou raku. Elle en appelle certaines des « femmes hirondelles », comme posées sur leur fil… avec des robes à traines qui n’en finissent plus (et des bras, aussi!). En fait, c’est la ligne qui prolonge. Celle que l’on retrouve dans l’ombre si longue des silhouettes évanescentes des « foules ». C’est peut-être le fil qui relie l’humain à la terre…Une sorte de racine qu’il a de la peine à arracher. En tout cas, c’est très « graphique ».
Vous verrez aussi de belles encres en noir et blanc. Toujours sur son sujet préféré, l’être humain.
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Elle habite une petite maison de village, dans une commune bourguignonne. Tout sourire, elle est déjà à la porte, dans le brouillard de ce mois de novembre pour nous accueillir. A peine installés dans la cuisine, on comprend très vite que la petite dame ne va pas nous parler longtemps du salpêtre de ses murs ni des odeurs de fuel dans l’entrée…On va vite s’élever au-dessus de tout ça! Car, ici, petite maison mais grande passion!
Madina nous a sorti tout le matériel du calligraphe. En direct du quartier chinois de Paris -et donc de Pékin- voici l’encre, les feuilles de papier de riz, les pinceaux, la cire, le sceau…On touche, on hume, on s’essaie à quelques traits sur du papier effaceur…Pendant ce temps, Madina explique les rituels, les différentes écritures, l’ordre et le sens des phrases, les significations de certains idéogrammes, le marouflage… L’une de nous ose un timide « on est dans un autre monde! » . Et c’est vrai que la pièce exigüe et encombrée se fait oublier! Les objets posés là, devant nous, sont si beaux. Les mots chinois si chantants. Les signes calligraphiés d’une telle élégance raffinée. Les traductions si poétiques.
On sent que Madina voudrait nous en dire tant et tant. Encore et encore. Son enthousiasme est communicatif. Mais il est temps de passer au salon. On laisse donc la toile cirée, les boîtes de conserve, la bouilloire qui siffle et le buffet de cuisine où sont punaisées des calligraphies sur feuilles de bottin (des brouillons sans doute, mais du plus bel effet!).
La pièce qui nous attend a tout du capharnaüm chaleureux…Ce n’est pas du fouillis. C’est une plénitude. Entre tapis, plaids, coussins, piles de livres, bibelots, cadres rangés au sol, meubles et lampes, on se faufile jusqu’à la cheminée. Sur le manteau, des foules d’objets cohabitent comme ils peuvent, souvenirs chinois pour la plupart. Dans le foyer, en guise de bois…de multiples œuvres de Madina sont sagement rangées dans des cartons. Et puis, le long de l’escalier, sur chaque marche, elle nous invite à regarder également dessins, photos et calligraphies. Son travail d’artiste.
Sur un chevalet, derrière le canapé, trônent les cadeaux du « maître », son maître chinois de calligraphie. Belle énergie du geste dans ces graphismes…
Près de trois heures après, on repasse par la cuisine pour prendre congés. On regarde à nouveau quelques feuilles amassées sur la table. Et, décidément, on aime quand Madina fait ce qu’elle appelle « de l’art plastique », c’est à dire qu’elle se permet de marier la rigueur de la tradition de la calligraphie chinoise à ses propres initiatives créatives. (précisons que Madina est française, ancienne prof d’art plastique et qu’elle est tombée amoureuse de la calligraphie chinoise par hasard, lors d’un voyage à Pékin)cliquer sur les photos pour agrandir, en deux fois
Des trois expositions du Consortium, proposées fin 2014, je ne retiens que celle de l’artiste italien Roberto Cuoghi;
Pour une fois, je n’avais pas du tout potassé ma visite! Je n’avais aucune idée de ce que j’allais voir. « Pas mal aussi de se laisser parfois surprendre! » m’a dit l’un des gentils jeunes médiateurs de l’accueil!
Eh! Ben! oui! Surprise! La première salle, à gauche en entrant, contient une sculpture géante, éclairée du haut, d’où les ombres intéressantes au sol… Une sorte de gros mollusque… Un ver monstrueux comme sorti d’une science fiction genre Dune… Impressionnante masse grise, comme dentelée, annelée, faite d’une matière indéfinissable que l’on croit molle… On ose toucher du bout du doigt, persuadée que la bête va frémir! C’est dur et rugueux. Bon! En sortant de la salle, on se retourne pour jeter un dernier coup d’oeil…La chose nous regarde! Oui! Soudain on a l’impression de voir un vague visage se former au centre d’un anneau…
Les salles suivantes montrent d’autres volumes dans le même esprit que la première. Des variations d’êtres hybrides, de diables, de formes organiques mystérieuses. Ici, peut-être, une tête de lion, là un sabot de cheval, une tête de bélier, là encore des écailles, une crête de volatile, des doigts humains, une queue de poisson… Et autant de matériaux surprenants. Quelque chose qui ressemble à de la pierre rongée par les intempéries, ou de la bave, ou du bois (ah! si! c’est réellement du bois cette fois!), ou du métal lourd, ou du ciment, ou de l’éponge, ou de la corde (ah! si! c’est bien de la ficelle collée!). Roberto Cuoghi sait surprendre, créer l’illusion et troubler!
On évolue dans un univers étrange de créatures (ou de morceaux de créatures) sorties d’un imaginaire très riche. C’est puissant. Souvent beau. Et ça laisse perplexe. Je dirais que c’est presque intimidant.
Renseignements pris…
Roberto Cuoghi est obsédé par l’idée de métamorphose. Thèmes récurrents chez lui: la transformation, les identités hybrides. Et il est allé au bout de ses idées, puisqu’il a testé lui-même. En effet, à 25 ans, il est peu à peu devenu vraiment un homme âgé, à l’image de son père. (Il paraît qu’il a eu toutes les peines du monde à retrouver son physique de jeune homme trois ans après!)
Un jour, le voilà passionné par la civilisation assyrienne (Babylone) et, entre autre, il choisit de s’intéresser à la divinité Pazuzu. Il s’agit du roi des démons du vent (environ 612 avant notre ère). Son apparence est assez terrifiante, mais, en fait, il est souvent représenté sur des amulettes car son rôle est protecteur. Il fait peur aux forces diaboliques néfastes et protège ainsi les enfants et les femmes enceintes en particulier. Au Louvre est conservée une petite statuette de Pazuzu que l’artiste a reproduite plusieurs fois en monumentale sculpture (non présentes ici), après en avoir fait un scan laser 3D. Ici, au Consortium, il présente ses recherches sur les diverses incarnations et facettes du démon en question. Car c’est ce qui le passionne: son pouvoir de se modifier à volonté, de se manifester sous la forme d’un homme ailé, avec queue de scorpion et cornes de bélier… ou autres !…
Des dessins et sérigraphies représentant Pazuzu complètent cette expo de sculptures.
Il fallait voir cet étonnant décorticage de démon!
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Christiane et François Lepoivre ont exposé à la Galerie La Source de Fontaine-lès-Dijon en novembre 2014. Je transferts ici la présentation que j’ai faite :
« Cela ne vous a pas échappé, cette exposition a pour thème unique LE CORPS. Corps humain et corps animal (cf salle du cheval). Vaste programme ! Depuis des lustres la représentation du corps est essentielle dans l’art, c’est l’un des thèmes les plus traités et reste aujourd’hui le champ de prédilection des artistes. POURQUOI le corps ?
Le corps intéresse l’artiste pour plusieurs raisons. – L’ESTHETIQUE bien sûr. La plastique. Le corps humain est une vraie mine ! De lignes, d’ombres, de plis et replis, de volumes, de formes, de rondeurs, d’angles, de courbes… – La SENSUALITE aussi. Des émotions physiques peuvent passer seulement par le rendu d’une chair, d’une peau, d’une silhouette, d’un geste… – Expression du MOUVEMENT également, de l’énergie vitale. Oui la vie. Exprimer le corps c’est exprimer la vie dans ce qu’elle a de plus mystérieux et précieux.
Faire une exposition sur le corps. Sacrée gageure donc! Mais François Lepoivre et son épouse Christiane s’en sortent plutôt bien !
( ) J’ouvre une parenthèse à propos de Christiane Lepoivre. Vous avez vu sur le carton ou les affiches le seul nom de François Lepoivre. Mais ça nous a paru impossible, après coup, de dissocier les deux. Si bien que deux salles sont réservées au travail de madame ! Leur cheminement ne fait qu’un. Mêmes ateliers, mêmes professeurs, mêmes recherches, expérimentations, essais…Ils échangent leurs idées… Même passion… Beaucoup de points communs… Et cependant, bien sûr, en partant des mêmes bases, chacun vit son expérience artistique avec sa propre personnalité, sa propre sensibilité. (Et puis il y a un homme et une femme…Et ce n’est pas tout à fait la même chose, n’est-ce pas!)
Sachez que Christiane signe CKL Marchal
Vous l’aurez compris, le titre de l’exposition qu’ils ont choisi s’explique ainsi !…. Corps-accords !
Si vous avez ici un seul thème, vous avez une DIVERSITE incroyable de manières, de moyens, de techniques et d’expressions.. Ces artistes explorent. Leur vie d’artiste est une aventure toujours renouvelée. Une quête. Il y a chez eux un grand enthousiasme dans le travail, une espèce d’élan, de marche en avant qui fait du bien à regarder. Une curiosité incessante.
.. Et c’est ça qui est intéressant chez eux, c’est L’EXPLORATION.
L’art possède inévitablement, je crois, ce caractère EXPERIMENTAL continuel. Cette recherche éternelle. Tous deux sont très variés dans leur traduction du corps, ce qui ne veut pas dire hétérogénéité. Car ils suivent leur fil conducteur. Ils ont une ligne de conduite.
VARIES : Il y a là des dessins au tracé rapide, des monotypes, des peintures au pinceau vif et aux couleurs audacieuses, jetées d’un geste dynamique, comme du fauvisme, des représentations réalistes et des abstractions énergiques, des gouaches , des acryliques, des encres, des peintures à la cire, des pastels tendres et même des collages (madame). Mais encore… des sculptures de personnages filiformes à la Giacometti (où demeure la trace des doigts du sculpteur, comme si la naissance était en train de se faire…comme si le créateur animait la matière devant nous) et puis, des sculptures lisses de petits personnages rondouillards danseurs ou gymnastes (comme des Bruegel dans ses fêtes au village ) à la patine colorée du plus bel effet… (François Lepoivre sait exagérer les formes, les lignes, et c’est bien ! Il faut souvent DEFORMER POUR MIEUX EXPRIMER!) Et aussi des sculptures qui dialoguent avec des bois flottés, sortes de duos que chorégraphie admirablement Christiane Lepoivre. Des « questions-réponses », comme elle dit fort justement elle-même.
Il ressort de tout cela une impression de mouvement, de VIVACITE, de dynamisme, d’enthousiasme…
Dans cette exposition, ça bouge ! Ça vibre ! Ça danse ! Ça sourit !
En fait, le plus souvent, dans dessins et peintures, le corps représenté est statique (modèle nu, très académique, très cours d’atelier) mais ce qui bouge c’est la couleur ! Le fond ! Ou le trait ! Quand l’artiste rehausse par exemple les contours d’une ligne blanche, de-ci de-là, cela communique du relief et de la vie. Une sorte de circulation, de flux qui font PALPITER le tableau. Il arrive que le corps perde même de son importance, tant le geste pictural, le jeu des matières et des teintes prend le dessus… On peut presque oublier le sujet « corps », qui deviendrait un prétexte à un pur plaisir d’artiste… «
en octobre j’ai vu pas mal d’expos. Difficile de choisir. Réflexion faite, ce qui, je crois m’a intéressée particulièrement, ce sont les ardoises de Bap.
Je choisis volontairement quelque chose de simple, pas du Saint-Phalle ou du Hokusaï ! J’ai été touchée ( et ce n’est pas la première fois, voyez dans ma catégorie « visite d’atelier », chez Bap) par l’exposition « Méandres » de Bap , à La Source. Dans la salle du rez-de-chaussée, il avait installé ses ardoises. De vraies ardoises, venues des toits.
Déjà, la matière est intéressante: ce grain fin, ce gris indéfinissable, plutôt gris-bleu, cette roche schisteuse en lamelles, ce côté rugueux mais capable de scintillements…Et l’ardoise c’est forcément quelque part une tablette d’écriture… En outre, bien sûr, ces ardoises-là ont servi de couverture sur des (ou une ) maisons. Donc, une histoire. Un passé. Une certaine corrosion, une oxydation.
Ensuite, l’artiste intervient. Il dessine sur carton ou papier des formes architecturales, les découpe et s’en sert comme pochoirs. Il les pose sur l’ardoise, peint à la bombe noire autour… et quand il enlève le pochoir, apparaît le dessin en réserve. Le fond de ce dessin c’est donc l’ardoise brute. Bap va ajouter quelques traits de blanc pour magnifier les altérations de la matière. Il en résulte des silhouettes de manoirs, d’églises, de châteaux, de cités fortifiées, de demeures mystérieuses… Des images à la Modiano! Ressorties du flou de la mémoire ou du rêve. Suivant l’éclairage, elles sont plus ou moins visibles, plus ou moins nettes. Quelque chose comme un reflet dans un vieux miroir.
Bap les a installées sur des socles en bois. Alignées, penchées, elles sont dans la position qu’elles avaient sur les toits. Mais à portée de regard! (cf la photo ci-dessous. Cliquer dessus pour agrandir, en deux fois)
Parti vivre sa vie d’homme (amoureux) et d’artiste en Pologne, Fabien Lédé revient de temps à autre à Dijon. Et c’est dans une descente de cave que je l’ai retrouvé (Ben, si!).
Il terminait une fresque qui dorénavant accueillera les clients de ce bar à vin, Le Trou, au 15 rue Vannerie. En descendant le raide escalier de pierre, levez le nez (sans vous le casser) et vous êtes dans l’univers de Fabien Lédé. Du bout de son tout petit pinceau, il a « brodé » en teintes pastel des animaux fabuleux, des créatures flottantes et volantes, des dragons à deux têtes … sur le mur et la voûte. Plaisir de revoir son monde imaginaire peint au pointillé. Il appelle ça Medieval Pop Graffiti. Et c’est vrai qu’il y a une inspiration moyenâgeuse dans ces petites « enluminures » contemporaines!
Drôles de petites histoires! Voilà que Diploé nous les raconte en couleurs. Les peintures de cette jeune femme ont une joyeuse énergie. Les images s’organisent en aplats. Maisons, arbres, oiseau, soleil ou moutons sont posés là, en îlots de souvenirs. Le tracé est enfantin, le dessin est ourlé de blanc ou de noir, rappelant sans doute les vitraux de cette église de village où Diploé a connu ses premiers émois artistiques.
Et reviennent les images pieuses de ses jeunes années, le cierge, le pasteur et son troupeau… « J’ai 8 ans! » sourit l’artiste. Elle n’a pas l’air de vouloir prendre au sérieux sa peinture. Juste s’amuser, se lâcher… Outre ses acryliques, elle réalise des oeuvres en volume, masques et sculptures. Des animaux cabossés plutôt sympas. Elle rêve de grandes parades joyeuses avec des dizaines d’enfants qui seraient ainsi costumés en gentilles bê-bêtes dans les rues… Ces structures sont faites à partir de l’art du serviettage! (Vous savez, des serviettes en papier encollées…)
Diploé vient du monde du théâtre, et elle y est toujours (metteur en scène). On retrouve dans ses tableaux cette mise en place d’éléments, cette construction travaillée des choses, des lignes, des couleurs…Et parfois, ici ou là, dans les peintures, apparaît un petit rideau de scène rouge!!
On pense bien sûr à l’art brut, devant cette spontanéité, ce besoin vital de s’exprimer par le pinceau, cette sorte d’innocence dans l’imagerie. Quoique… Chez Diploé existe en amont une culture artistique. Et du coup, le charme de ce travail d’artiste c’est qu’il possède à la fois une vérité originelle toute nue et une base solide de connaissance et de réflexion. Cocktail réussi!
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