Le Hall de l’ABC, (appelé Mi-lieu), passsage Darcy, à Dijon, a reçu la jeune diplômée de l’ENSA Dijon (juin 2023), Marine Chaleron en décembre 2023, du mardi au samedi 13-18h.
Sans rien connaître de cette jeune femme, j’entre dans le Mi-lieu de l’ABC. Et je sais tout de suite que quelque chose va passer entre les œuvres exposées et moi! ça marche! Je vois du vivant, des objets qui sont fabriqués de chair, de la matière terre qui donne tout ce qu’elle peut: des histoires anciennes, du vécu présent, de l’amour, de la sensualité, de la nostalgie, de la colère, des réussites, des échecs… Marine Chaleron a trouvé son médium! Elle écrit avec. Et on la comprend!
Sans vraie recherche esthétique (voulue, en tout cas) voilà de la céramique qui touche et qui parle… Qu’elle soit rococo émaillée, tels des coquillages géants sortis d’un conte de fée, ou qu’elle soit brute, en blocs brisés, maculée de traces fossilisées, elle est expression artistique, sincère et forte.
Marine Chaleron épuise le sujet « terre »: on devine au travers de son travail toutes les étapes, toutes les phases par lesquelles cette matière peut passer (La terre étant déjà en elle-même un livre d’Histoire! Et voilà qu’elle est utilisée par l’artiste et qu’une autre vie , d’autres vies l’attendent!). Malaxée, plissée, tordues, cuite, brûlée, cassée, refroidie, peinte, vernie, gravée…Exposée dans une Galerie d’art!
La scénographie m’a parue bien faite. Premier hall: quelques pièces sophistiquées, brillantes, faites de mille morceaux assemblés, comme de gros bijoux, avec des détails à examiner de près. Deuxième hall: des fragments de terre cuite brute, avec empreintes et traces « archéologiques », posés au mur, espacés les uns des autres. Et, entre les deux, une pièce qu’on aurait pu jeter, car ratée, éclatée, explosée… mais que l’artiste a récupérée pour lui donner sa chance d’œuvre d’art! Et c’est beau!
La Galerie La Source, à Fontaine-lès-Dijon,en novembre 2023 exposait Gérard Thévignot et ses « Fusains ». Du mercredi au dimanche compris. 15h30-18h30.
Il dessine des monuments, des bâtiments et quelques fragments de paysages. Il dessine donc la réalité. Non, pas tout à fait. C’est pour cela que c’est un artiste. La réalité, il la réinvente.
L’invitation de Dijon, l’année prochaine, à Gérard Thévignot, pour son célèbre « Dijon vu par » lui ira comme un gant. Il voit en effet à sa façon !
Il rend les choses reconnaissables mais troublantes. On a l’impression qu’il les déplace et qu’elles se retrouvent dans un autre univers. Dans un silence sombre, dans un vide qui donne un peu le vertige.
Ce sont souvent des sites industriels, ou des poteaux électriques dans la campagne, des hangars agricoles… Seuls, sans aucune présence humaine. Du métal, du béton… Le tout dans une palette de gris, de blancs sales et de noirs. Du fusain habilement manié pour créer ces ambiances étranges et irréelles. Des décors de films. Et ne pas oublier que nous avons affaire à de grands formats, dans lesquels on entre facilement.
Et quand ce sont des maisons ou des églises, parfois très connues de ses congénères (Dijon, Fontaine-lès-Dijon etc) la sensation est la même. Les voilà posées là. Dans un autre contexte que celui dont on a l’habitude. Ce sont bien elles, mais vues autrement. Peut-être dans un miroir déformant, sans leur environnement rassurant, au clair de lune, entre chien et loup ou tout simplement sous un angle différent…. que sais-je!
J’apprécie évidemment cette image très personnelle que Gérard Thévignot donne des éléments urbains ou autres. Voilà un artiste rigoureux, respectueux des règles d’architecture et de dessin… mais capable de s’en échapper! L’air de rien!
En novembre, le Rez-de-Jardin, 11 rue d’Artois à Fontaine-lès-Dijon, recevait Lucile Pattar et son « Journal, extrait ». Vendredi 14-19h, samedi-dimanche 11-19h. https://www.lerezdejardin-fontaine.fr/
Petit lieu, petits formats, journal personnel… Tout cela est bien intime! Cet automne, avec l’exposition de Lucile Pattar, le Rez-de-Jardin se cocoone! Au mur, les encres colorées de l’artiste s’alignent sagement. A suivre dans l’ordre chronologique (ou pas! vous faites comme bon vous semble!!) puisqu’il s’agit d’un extrait de son Journal. Chaque peinture est datée, en bas à droite. Lucile Pattar tente d’exprimer avec le pinceau l’impression globale que lui a laissé une journée. Ses émotions, ses sensations, ses sentiments…
Elle fait confiance au papier et à l’encre qui, peu à peu, dessinent ses paysages intérieurs. Et il y a des jours tempêtes, des jours câlins, des jours réflexion etc.
L’étape suivante de son processus, c’est le cadrage. Sur sa peinture, elle pose son passe-partout, le déplace et finit par choisir un petit fragment qui sera l’œuvre finale. « Suivant l’emplacement, la signification ne sera pas la même… » dit-elle. Dans la Galerie, un mur est un peu à part: celui qui montre précisément les coulisses du processus, mais en réduction! De toute petites encres sont restées entières (parfois bords déchirés! J’adore!) et un cadre est placé dessus, à priori. En fait, ce sont, bien évidemment, de nouvelles peintures en elles-mêmes! Et parmi celles que je préfère!
Chaque peinture de Lucile Pattar est, vous l’aurez compris, la traduction de quelque chose de personnel pour elle, secret et caché. Mais, elle est toujours ravie quand un autre regard se pose sur son œuvre, et que quelqu’un lui confie ce qu’il « voit », ce qu’il perçoit. Parfois (rare!) c’est étonnamment semblable.
Cliquez sur les visuels pour agrandir (plus ou moins!)
vidéo de l’expo de Lucile par « Signature LSF », Cécile Mercier.
En janvier 2024, l’Hostellerie, centre d’art singulier dans le parc de la Chartreuse, a accueilli deux artistes, le peintre espagnol Pepe Donate et le sculpteur régional Belin, avec « La llamada de la tierra » et « l’appel de la terre ».
Pepe Donate:
J’ai eu l’ impression de voir des personnages jaillir de la terre. Ils en avaient encore la couleur et même la consistance apparente. Il se pressaient devant le pinceau du peintre, comme devant l’œil d’une caméra. Ils « posaient » un instant devant nous. Leurs petits yeux écarquillés nous captaient. Leurs bras atrophiés nous saluaient. Mais, ils allaient disparaître, non? S’enfouir à nouveau dans cette terre dont ils semblaient issus? Des êtres éphémères? Ils avaient de belles gueules cassées. Je me demandais si j’allais les revoir. (Peut-être dans les rues de la ville, tout à l’heure…).
Quelques animaux ou monstres improbables, aussi, passaient en bondissant. Parfois, donnant un coup de frein, s’arrêtant le temps d’un éclair devant nous. Ils nous observaient, vite fait! Peureux? Moqueurs? Curieux?
Pepe Donate crée des vies en peinture. Comme s’il malaxait une matière. Genre argile, glaise, métal fondu, sable gris… Un pâte dont il aurait le secret. Ce sont des vies esquissées, à peine finies, un peu brouillonnes. Mais des vies en mouvement. Des individus tous différents, des groupes qui s’agglutinent, qui cherchent, qui nous guettent. Ils occupent tout l’espace de leur cadre de châssis, impatients d’en sortir pour aller voir ailleurs si le monde est meilleur.
Belin:
Touchée par le travail de Pepe Donate, j’ai moins senti d’atomes crochus avec le sculpteur Belin. J’ai parcouru malgré tout sa collection de mini vaches qu’il place dans toutes les situations possibles et imaginables (y compris des petits miroirs ronds comme des pois, ceux de l’artiste Yayoi Kusama qu’il admire!).
Un travail d’artiste à message évident: les pauvres ruminants souffrent de la bêtise humaine. Belin soigne la mise en scène et les pièces présentées. Et le contraste avec le sujet est intéressant. Il joue aussi avec les mots et les expressions, avec les dimensions et échelles. Souvent bien vu! Il recycle des tas d’appareils ou ustensiles pour y loger ses troupeaux! Drôle!
En octobre 2023, Bernard Pourchet, artiste numérique, a exposé à La Source, Fontaine-lès-Dijon, « Du détail naît la perception ». Du mercredi au dimanche compris, 15h30-18h30. Surprenant!
« L’Arboretum » de Bernard Pourchet vous accueille au rez-de chaussée de la Galerie. De grands formats. Certains sur bâche… Assez spectaculaires. Cette variation sur le thème de l’arbre vous séduit forcément. Surtout si vous aimez le figuratif…Belles couleurs, belles lignes. Voyez plutôt (photo ci-dessous):
Mais… Mais, très vite, la question se pose. Comment fait l’artiste? Peinture? Photo? Travail numérique? Vous vous approchez des tableaux, et d’étranges détails vous apparaissent. Étonnant!
Et puis, vous vous éloignez. La vision change du tout au tout. Allez! Il va falloir des explications techniques! Si Bernard Pourchet est présent à la Galerie (et je crois qu’il y est un maximum), il va se faire un plaisir de tout vous dire sur son processus créatif. Il est passionnant…et passionné!
Moi, je ne peux absolument pas vous rendre compte de tout cela! J’avoue être débordée! Pensez donc! Un travail sous Word!!! Ce n’est guère mon domaine!
Je sais que l’artiste part d’une photo qui va lui fournir une matière graphique. Il travaille comme un photograveur, utilise des trames, des motifs qu’il crée lui-même, « une poussière d’images », dit-il. Et, partant de ces minuscules éléments graphiques, comme regardés à la loupe, il recompose des images. Il parle de « calques » empilés (jusqu’à 30), de « masques »… Vocabulaire inconnu de moi!
Sans comprendre la technique, je me rends compte que c’est très complexe mais très original. Bernard Pourchet manipule cette matière virtuelle comme le ferait un peintre ou un sculpteur avec les pigments ou la pierre. Il maîtrise cet outil technologique avec un sens certain de l’esthétique. On a l’impression qu’il creuse l’image numérique, qu’il descend en son cœur, puis qu’il triture les éléments microscopiques qui la composent, les déplace, les déforme, les empile, les colore, les gomme etc… On l’imagine faire de petites touches, superposer des couches, remplir des vides, effacer des superflus, tirer des traits, chercher des transparences…Il avance prudemment dans son maniement, gérant les imprévus, évitant les erreurs (car, c’est si complexe que…pas question de remords!). Il ne sait trop où il va, même s’il a une idée de départ. Il assiste peu à peu à la naissance d’un paysage imaginaire, d’une « réalité inventée », dit-il.
Et vous, vous voilà devant un réseau de nerfs ou vaisseaux sanguins, devant une étoffe déchiquetée, devant une carte géographique en relief, un plan de ville, un fond marin, une photo satellite, une rivière où flottent des herbes…Tout est permis! A vos imaginations et impressions personnelles!
Les images en question sont imprimées sur toutes sortes de supports, bâche, bois, polyester, aluminium, toile canevas etc.
Bernard Pourchet est un habile magicien du numérique et un excellent artisan décorateur. Son travail de recherche sur cette mystérieuse (pour moi!) matière virtuelle est fort intéressant. Reste qu’il ne faut pas attendre de lui l’expression d’un monde intérieur, ni celle d’une expérience de vie, ni d’une réflexion personnelle, ni d’une émotion intime (sauf celle d’une composition purement esthétique, et c’est déjà essentiel pour un visiteur!)
Sachez que mes photos, hélas, ne rendent pas vraiment la réalité de ses œuvres. Allez voir sur place!
En octobre 2023, Jean-François Fontaine a exposé au Rez-de-Jardin , 11 rue d’Artois, à Fontaine-lès-Dijon. Expo intitulée « Encarts et Carnets, feuille à feuille ». Les vendredi, 14-19h, les samedi et dimanche, 11-19h.
Jean-François était présent, et dessinait devant vous!
Dans son large panel d’œuvres, l’artiste Jean-François Fontaine a choisi, pour le Rez-de-Jardin, de montrer pour la première fois ses pages de carnets. Feuilles arrachées, feuilles volantes. Il expose aussi son travail sur cartons de récupération, sur macules d’imprimerie et sur papiers d’emballage froissés. Et il vous laisse feuilleter quelques uns de ses précieux carnets de « notes » (ceux dont il n’a pas enlevé les pages!!)
Ses observations et réflexions fusent, et viennent se poser sur le papier. Aussitôt traduites en dessins, peintures et mots. Des instantanés.
Jean-François Fontaine regarde ses contemporains. Et il transcrit à sa façon, leurs bizarreries, leurs excès, leurs dérives… S’y ajoute un zeste de fables, de symboles, de métaphores… Quelques jeux de mots, quelques bouts de vieilles chansons ou de contes de grand-mères… Et beaucoup de poésie…
C’est vif, spontané, drôle, parfois grinçant et grimaçant. Toujours lucide et honnête. Jamais méchant.
La Galerie Le Trigram, qui s’est ouverte à Dijon au printemps de cette année 2023, 29 rue Charles Dumont, à Dijon, a accueilli l’artiste François Lautissier. « Primitif urbain ». En septembre – octobre 2023.
Cette fois, les galeristes du Trigram ont choisi de montrer le travail d’un artiste « singulier ». Du moins, faut-il bien désigner comme l’on peut cet art non académique et cette fantaisie toute personnelle! Allons y donc pour « singulier » ! Cela vous situe à peu près ce que vous allez découvrir de François Lautissier.
Il se décrit lui-même comme un « primitif urbain » (d’où le titre de l’expo). Son expression est directe, sans écriture, simple, colorée… Comme des rébus. Comme des saynètes. Comme des boîtes animées. Sur des matériaux de récupération (tiroirs ou plateaux en bois, par exemple), l’artiste bricoleur assemble de petits éléments, bouts de bois peints, mini jeux enfantins, fleurs en plastique, éléments mécaniques en métal…Et des histoires se racontent. Ce sont des tableautins, mais aussi des totems et des sortes d’exvotos. Dire les choses que l’on voit, que l’on ressent, avec peu de moyens, mais qui suffisent.
Et, d’une œuvre à l’autre, revient un visage. Le même. Simpliste et géométrique. Souvent double, ou multiplié. Ce visage est expressif, souriant, inquiet ou triste… François Lautissier parle là de dualité, de dédoublement…Ses sculptures sont réversibles, également. Pile et face. On a tous deux visages (au moins!), non?
Et on se prend à aimer ces petites familles d’humains que l’artiste regarde comme un témoin de son époque. Ou est-ce lui-même, sans cesse répété, dans son simple quotidien?
Et puis, il y a les huiles sur toile de François Lautissier. Grand ou petit format. Dans la même lignée, mais j’avoue avoir une légère préférence. (C’est personnel!) « Faire tomber la pluie » et « Rouler pour l’eau » sont de belles petites peintures vivantes et significatives. Voyez ces pontillés blancs (comme de l’art aborigène) qui décrivent le cycle de l’eau et ce que nous en faisons…
Septembre 23: je suis retournée enfin à la Galerie La Source, à Fontaine, pour, tranquillement, apprécier l’expo de Jean-Philippe Jarlaud. .(Retrouvez mon 1er texte à propos de cette expo sur le blog!)
C’est une exposition qui se lit! Des mots et des images à lire! Beaucoup de textes : des poèmes de l’exposant lui-même, souvent intégrés aux photos, et des informations de scientifiques sur le sujet du vivant (fragile et en danger). Les photos, aussi, sont souvent à parcourir, comme des pages, ou des bandes dessinées, soit en séries alignées au mur, soit en compositions sur de grands panneaux (photos sur bâches).
Peu à peu, on comprend le chemin dans lequel on s’engage, on sent les liens se resserrer entre les éléments de l’exposition, on devine la mission que s’est donné Jean-Philippe Jarlaud. On adhère. Parfois, sur ses photos, il s’adresse à nous, en nous tutoyant: « tout cela te dépasse, dis-tu »! Un dialogue (muet) s’engage! On suit le guide! Il nous montre des petits secrets cachés au creux des broussailles, il nous révèle des bouillonnements identiques entre ciels et sols, il nous signale quelques traces de pattes dans la neige, il nous fait observer la neige qui fond ou la petite « mauvaise » herbe qui pousse entre mur et trottoir, il nous fait écouter le chant des oiseaux dans la forêt… Il a déniché et observé pour nous. On trouve les photos superbes et…on comprend la leçon!
Mais s’insinue, évidemment, l’inquiétude. Ce monde qu’il nous incite à mieux regarder et comprendre, est en perdition. Et nous en faisons partie intégrante. Subtilement, il glisse mots et images qui interpellent. Casque de réalité virtuelle portés par un personnage au milieu d’un paysage, lampadaire qui tue l’obscurité primitive, arbres déracinés, violence policière (?)… C’est suggéré. Pas trop asséné. (Quoique! « Primates, qu’avez-vous fait des territoires? » écrit-il)
Pourtant, Jean-Philippe ne se veut pas trop défaitiste. Aimons ce vivant, conservons-le, ne l’oublions pas, protégeons-le, « nommons-le », ne l’abandonnons pas. Voilà ce qu’il nous conseille. Et rappelons-nous que …nous en sommes!
Avant de quitter cette exposition forte et touchante, prenez le temps de regarder le film de Jean-Philippe Jarlaud. Son texte (dit par un comédien) est magnifique, associé à des images très belles. (1er étage, 1ere salle à gauche)
A la Galerie La Source, Fontaine-lès-Dijon, le photographe poète Jean-Philippe Jarlaud exposait « Au monde » en septembre 23.
Je n’ai encore rien vu! Au vernissage de cette exposition (super sympa au demeurant!!), comme d’habitude, pas assez de place, de recul, de concentration, de silence, de calme… pour m’imprégner d’une grande et riche expo comme celle de Jean-Philippe Jarlaud. Mais, avant que j’y retourne, je tiens à jeter ici mon premier ressenti! Même si je dois, plus tard, le corriger!! ,
Parce qu’il l’affirme lui-même, et parce que je l’ai (entre) vue comme ça, ce n’est pas une exposition de « belles » photos. Ici, personne ne cherche à plaire, à séduire, à briller. C’est noir et blanc et mate. C’est sombre et gris. C’est discret et petit. (J’exagère évidemment …mais c’est pour dire…). Et… qu’est-ce que ça fait du bien de ne pas se retrouver encore devant du spectaculaire, du paraître, de l’évident! Et, bien entendu, la beauté est ailleurs que là où on l’attend.
J’ai commencé à regarder cette expo comme j’aurais feuilleté un guide. Un guide pour m’aider à mieux me connecter au vivant. J’avais des images, des grilles d’images, des mots et des phrases. La poésie de Jean-Philippe Jarlaud et les réflexions des scientifiques: avec tout ça, j’allais mieux, au quotidien, ouvrir les yeux, les oreilles, le nez, et ma boite d’émotions!
De passage à Marmande, j’ai découvert l’artiste Sophie Cohen-Scali qui exposait (août-septembre 2023) au musée Marzelle. L’expo s’intitulait « Ancrages et envols ». Une expo intéressante, avec son compagnon sculpteur Jean-Louis Tartas.
Fusain sur papier. Oui! Juste ça! Mais ce travail de Sophie Cohen-Scali vous mène beaucoup plus loin! Le support, déjà… Un papier qu’on croirait venu d’Asie, précieux et rare dans sa blancheur duveteuse et ses délicates traces de plis. En fait, l’artiste part d’un simple papier à peindre acheté dans le commerce, qu’elle retravaille à sa façon…
Les dessins, ensuite. Une foule d’images viennent à l’esprit quand on les regarde. Racines, branches, bras, serpents mais aussi, cocons, chrysalides…Le point commun à toutes ces références, c’est le vivant. Une danse du vivant, tout en courbes et enlacements. Ce sont peut-être des mutations. L’écorce se métamorphose en peau, le végétal devient animal ou humain (ou l’inverse). Tout se confond. Les racines sortent de terre et s’unissent aux branches des arbres. Des silhouettes vaguement humaines émergent ça et là, filles des arbres. La danse du vivant… c’est peut-être en fait un ultime combat pour sauver la vie.
Ce dessin noir et blanc, serré, joue avec ombres, lumières et contrastes. D’où une vraie impression de relief. Mais, en plus, Sophie Cohen-Scali crée des effets sculptures avec certains dessins, les plaçant sur socle. Elle utilise aussi le collage et, sur des dessins, naissent ainsi des volumes.
Le travail de cette artiste s’associe à celui de Jean-Louis Tartas. Ses grandes sculptures en ferraille, recouvertes d’une matière mystérieuse qu’il fabrique lui même, disent la douleur de l’humain. Parfois, on pense au sculpteur Marc Petit.
L’expo est belle et touchante. Les deux artistes fonctionnent bien ensemble. Côté esthétique comme côté sensibilité.
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