Encore une année où l’on peut soulever notre chapeau devant les bénévoles de cette association dynamique: E.V.A. (essor des vallées de l’Auxois)! Nature, art et patrimoine au programme. Sans faiblir, ils organisent des évènements! Celui que je connais le mieux, bien sûr, c’est EVAsions des Arts. C’était le week-end des 3-4 août 2019. (Vous pouvez agrandir les visuels en cliquant dessus)
Quatre villages accueillent des artistes, depuis vingt ans, chaque été, dans leurs granges ou autres lieux « authentiques » (comme on dit à Paris!!): Villy-en-Auxois, Vileberny, Salmaise et Verrey-sous-Salmaise.
La balade vaut pour le travail des exposants, bien entendu, mais aussi pour les espaces d’accueil, tous aussi beaux les uns que les autres. Occasion de mieux regarder le patrimoine rural et agricole.
L’invitée d’honneur de cette année était Astrid Laviéville.
Dans la chapelle du château de Salmaise, s’est montré soudain tout un petit peuple, jailli d’on ne sait quel conte de fée! Ces lilliputiens (humains et animaux), élégants et raffinés, arrivés d’un siècle lointain et d’un monde oublié, se pavanent et s’amusent comme à la cour d’un roi. L’artiste les a façonnés à partir de mini fragments collectés partout, dans la nature ou la vie quotidienne. Et elle met joliment en scène tous ces êtres étranges.
Et il n’y a plus qu’à s’approcher, tel un Gulliver, pour admirer… Les créatures d’Astrid Laviéville semblent faire partie du monde du dessin, plus que de celui de la sculpture. Même si c’est en 3D (vous pouvez tourner autour, la lecture se fait de tous les côtés). Finesse du trait, richesse du détail, harmonie des formes et des teintes. Et une sacrée allure!
Parmi les 28 autres artistes, j’ai eu mes préférés, ça va de soi. Les styles, ici, sont suffisamment variés pour que chacun y trouve son bonheur! J’avoue avoir loupé quelques artistes…Mea culpa!
Frédéric Galland m’a beaucoup frappée avec ses personnages dessinés à la sanguine ou à la pierre noire (etc…), soit à la manière de planches d’études anatomiques soit sous forme de scènes en forêt ou de portraits. Etres humains douloureux, difformes… Peut-être les aliens de nos angoisses cachées. Très fort.
Et puis, j’ai noté: ——- Josiane Guitard-Leroux. Vraie démarche de plasticienne, avec un médium original, ses propres cheveux. Avec une façon personnelle de les fixer, broder, crocheter, nouer, assembler… Une matière organique détournée, métamorphosée. ——- Félix Roussel. Les peintures de ce jeune artiste emmêlent, enroulent et associent images et formes, et, ainsi, flottent rêves et cauchemars aux couleurs gaies
—— Isabelle Délin sculpte délicatement et amoureusement la terre pour des petites architectures, perchées au col des vases ou au cou des humains, ou posées quelque part en équilibre. instable.
—— Isabelle Jullien colle et peint, peint et colle. Pour la plus grande joie du papier. Celui qui se déchire ou se découpe, et celui qui reçoit les compositions.
Je pourrais encore citer Edith Nicot et son doigté de soie, Jean-Philipe Jarlaud et son grand coeur de poète photographe, Carolina et ses aimables personnages-poupées dans un monde chantant, Françoise Aigueperse et ses découpages dans des couleurs de feu.
« Dijon vu par » est revenu au classique cette année 2019. Des photographies (je dirais, sans histoire, mais non sans qualité), celles de Pierrick Finelle. Salon Apollon, au Palais des Ducs.
Je ne connaissais pas ce photographe, et je ne suis peut-être pas la seule. On sait simplement qu’il est indépendant et dijonnais!
Un personnage à contre jour, quelque part dans Dijon, plus un reflet ou une ombre. Voilà résumé le refrain des clichés noir et blanc de Pierrick Finelle. Ce n’est pas du nouveau, mais c’est réalisé avec maîtrise, soin et rigueur.
Installées sans cadre et sans vitre (vous savez ma marotte! j’étais donc ravie!), les photos sont à portée de regard, sur des panneaux posés au milieu de la salle. Le visiteur serpente d’une vue à l’autre, ou peut se faire double vision s’il veut.
C’est épuré, presque cistercien. C’est travaillé, mesuré, équilibré, presque parfait. Lumière là où il faut, ombre bien visée, reflet bien placé, effet de matière bien rendu, contrastes bien balancés. Parfois un joli clin d’oeil, comme ce jeune qui court au pied des jets d’eau de la place de la République avec le même jeu de jambes que la statue!!
Pierrick Finelle sait s’arrêter et regarder. Composer une image. Lui offrir un supplément de poésie. Va-t-il jusqu’à dire le rapport de l’homme et de l’urbain, sa solitude dans cet univers, sa fuite, sa peur…? Ou au contraire son intégration, sa similitude avec lui? Ne pas chercher plus loin…
Dans le bel espace du Grenier à Sel d’Avallon, j’ai passé, comme souvent ici, un agréable moment, flânant d’une oeuvre à une autre. Une belle sortie d’été .Vous pouvez agrandir les visuels en cliquant dessus
La présentation en elle-même est une réussite. Les 26 exposants ont disséminé leurs créations, les faisant voisiner avec celles des autres, les mélangeant, les confrontant… Pas de monotonie, pas d’entassement, pas d’accumulation. Malgré le grand nombre d’oeuvres, une impression de respiration, de circulation. En outre, les socles et présentoirs sont simples et intelligents pour une bonne visibilité et une mise en valeur.
Anne Auger
Certes, on a inévitablement la sensation d’être dans un magasin! Mais il faut accepter ce fait! L’exposition n’est pas la mise en scène d’un univers d’artiste. On est en art et en artisanat d’art. Et c’est épatant! Croyez moi!
Maxime Fardeau
Trouvailles, idées, esthétique…Formes, couleurs, transparences, matières, jeux d’ombres et de lumières… Et on se laisse aller! On est en vacances! Belle plastique et imagination admirable, esprit déco au top et harmonie sans nul doute… De la belle ouvrage, assurément. On en ressort zen! La thérapie du beau!
Odile Vailly
Mes préférés: Bénédicte Dietz (céramique), Jean-Yves Chevilly (collages), Odile Vailly (fil de fer), Anne Auger (peintures), Rémi Marceau (bois tourné), Christine Lemaire (sculptures métal), Marion Gagnepain (vannerie), Lucile Pattar (peintures), Maxime Fardeau (photos), Marlène Robert (céramique)
L’église St-Philibert, à Dijon, n’a jamais été si bien mise en valeur par une exposition. Le peintre Didier Dessus et ses coéquipiers sculpteurs, Frédéric Lormeau et Pierre-Yves Magerand, se sont installés discrètement. Sans en faire trop. Sans s’imposer. Avec respect. Et soudain, une présence se faisait sentir. La présence de leur travail d’artiste. Le lieu n’était plus abandonné. Il n’était plus vide. Il n’était plus seul. (C’était en juillet 2019)
Vous pouvez agrandir les visuels en cliquant une fois dessus
Saint-Philibert, ce grand espace, blessé par l’Histoire, et majestueux malgré sa souffrance, accueille avec bonheur ces peintures et sculptures modestement disséminées ici et là (mais placées avec justesse).
Les piliers rongés, la haute voûte, la pierre rosée, le sol sableux, les étais en bois, l’éclairage naturel, la longue nef, les chapelles… On aime! Seule église romane de Dijon! Bien abimée, mais encore vivante. J’y avais déjà vu des expos… Mais qui n’étaient que (sauf exception) des verrues mauvaises poussées là sans vergogne!
J’avoue que les premières oeuvres qui m’ont attirée ici, à cette exposition, sont celles de Frédéric Lormeau. Ces roues, ces cercles, ces anneaux… Ces couronnes en lambeaux, ces fragments de couronnes…Quelque chose qui dialogue avec les colonnes en pierre. Avec, aussi, le côté ruiné du lieu, à demi délabré, mais pansé et soigné .
Les peintures de Didier Dessus, ensuite, m’ont fait poursuivre ma visite dans le même état d’esprit. Elle racontent des lieux abandonnés, désaffecté et morts (ateliers, usines), des fruits ou fleurs fanés et désagrégés, des paysages en morceaux, à demi effacés, comme des négatifs de photos surexposés, des reproductions de tableaux anciens dont les motifs auraient perdu leurs couleurs et certains de leurs contours, à en devenir transparents.
On est dans l’effacement, dans l’éloignement temporel. On doute de la réalité. Flottement. Je me suis surprise à avoir envie de toucher la pierre du mur, les matériaux des sculptures, la toile du peintre… Reprendre contact.
J’aurais de la peine à parler du travail de Pierre-Yves Magerand. Resté énigmatique pour moi. Il me faudrait davantage connaître.
J’ai rapporté quelques photos de l’expo » Terre », en juin juillet 2019, à la Coupole. (13+ et Nord-sud Bourgogne-Mali) Mes arrêts photo! Significatifs de ce qui m’a attirée! C’est une minuscule sélection, bien sûr. Un peu spéciale! Personnelle! Je vous en livre un extrait!
de Jean-Philippe Jarlaud, accompagnant sa série photos
A la Galerie Suzanne Tarasieve, rue Pastourelle, Paris, 3ème, Eva Jospin a exposé l’été 2019. Epatant!Vous pouvez agrandir les visuels en cliquant dessus une fois (sauf le premier que j’ai réussi à faire flou!!!!)
On a connu (et aimé) les forêts de Eva Jospin. Epaisses et denses forêts de troncs serrés. Sombres, géantes, fermées, secrètes. Des forêts réalisées en carton. J’avais vu celles de la cour carrée du Louvre.
L’artiste garde aujourd’hui sa prédilection pour son matériau, le carton, mais cherche et change ses réalisations. Elle se met à sculpter dans l’épaisseur. Elle façonne, creuse… Le cuter n’est plus son seul outil. Elle travaille le carton comme le bois ou la pierre. La voilà modeleuse de carton. Elle commence doucement aussi à toucher le plâtre ou le bronze.
Ici, dans cette Galerie parisienne, elle présente d’extraordinaires architectures. Comme de grandes maquettes de structures à placer ensuite dans des parcs, jardins, forêts…(Eva Jospin sait faire du monumental)
Indéfinissables. Mais chargées de tant d’évocations! On pense à des temples, à des sanctuaires troglodytes, à des « fabriques » de jardins (XVIIIème siècle), à des ruines antiques, à des rocailles ornementales, à des grottes artificielles, à des décors de théâtre… Mais aussi à de vrais paysages grandioses, faits de falaises et de canyons. Un mélange de tout cela! J’aime quand une oeuvre fait ainsi surgir des dizaines de références! Et là, elles affluent!
Et le carton se métamorphose en terre, eau, végétation, roche, bois, brique, béton, plâtre, suivant le travail que l’artiste lui inflige. Presque du trompe-l’œil parfois. Il fait illusion…
« L’Homme qui pleure », l’exposition de Yan Pei-Ming au musée des Beaux-Arts de Dijon, c’était en 2019 (il reste les grands portraits de sa maman dans la salle des tombeaux.)
Vous pouvez agrandir les visuels en cliquant dessus
Oui, le musée des Beaux-Arts de Dijon est réouvert! On le sait! On en parle un peu partout! Même dans nos magazines et journaux les plus prestigieux! Mais avant d’écrire un article sur ma première visite à ce « petit Louvre » (si! si! on le dit!), je m’empresse de parler de Ming qui expose là jusqu’en septembre.
« L’Homme qui pleure » est le titre. Le ton est donné. On est en plein drame. La mort rôde. Les catastrophes, les attentats, la disparition des êtres chers, la violence des dictatures ou des extrémistes…
L’être humain, décidément, a une destinée tragique. Et l’avenir n’est pas rose. Ming le crie avec fougue et hargne. Mais la beauté de ses toiles a le don de nous transmettre une sensation si forte qu’on pourrait presque affronter tout cela plus facilement. Puissance de l’art? Sauvetage par l’art?
L’artiste est très présent ici. Non seulement parce que, comme souvent, il s’auto-portraitise, mais aussi parce qu’il communique avec intensité ses propres réactions face aux difficultés de la vie. C’est une exposition à la fois très personnelle et universelle. On y rencontre Ming, une personnalité hors normes. Et on y rencontre le monde.
Dans la salle des tombeaux, les portraits de sa mère réalisés peu de temps avant sa mort, sont bouleversants. Géants. Elle est presque penchée sur les tombeaux des Ducs. Le visage fatigué, bienveillant, triste mais serein… C’est un grand triptyque. La maman, trois fois présente . Et, toujours, ces « blancs » et ces « gris » du peintre chinois-dijonnais!… Balayés, tirés, étirés, creusés, étalés, superposés…Fabuleux! C’est son langage perso, son vocabulaire à lui, il dit tout ce qu’il veut avec ça!!
J’ai également beaucoup apprécié la salle des aquarelles. A nouveau des séries de portraits (sa mère et lui-même), sur papier. Et une vision des Pleurants … Grandis 6 fois par rapport aux statuettes d’albâtre.
En ce mois de juin, je retiens ma visite à Ornans, dans le Doubs, pour l’évènement: « Yan Pei-Ming face à Courbet », une exposition à l’occasion du bicentenaire de la naissance de Gustave Courbet. Jusqu’au 30 septembre. (Musée Courbet et Atelier de Courbet. 10-18h. Fermé le mardi.)Attention! Interdit de photographier: Aïe! La frustration! Les visuels de cet article sont des photos de cartes postales!!
D’abord, je fais un tour dans cette « Petite Venise comtoise »! Ornans est décidément un bourg très sympa au bord de la Loue. Puis, hop! le musée Courbet, dans une maison ancienne (XVIIIème siècle) où logea la famille Courbet. Retravaillé intelligemment en 2011 par un architecte, le musée est devenu vraiment un lieu attractif. Ses verrières sur la rivière sont extraordinaires. L’accueil, ici, et l’ambiance sont agréables. Personne n’a la grosse tête! Ils ont beau avoir reçu Yan Pei-Ming et monsieur Macron, les gens restent simplement aimables, polis, enthousiastes, souriants. Bref, ce ne sont pas des parisiens!
Quelques salles montrent la rencontre Courbet-Ming pour une expo temporaire. Un face-à-face étonnant. Paysages, animaux, nus, portraits de famille…Ce sont des rencontres fortes. Ming et Courbet, deux hommes libres, engagés, un brin provocateurs, sensuels, à la sensibilité exacerbée. Deux artistes au geste large et sûr. Certes, pas du même siècle. Mais qui auraient pu s’entendre!
portrait de l’oncle aveugle de Ming
Et je me dirige vers l’atelier de Courbet, le dernier qu’il ait eu avant sa mort. C’est là que Ming était en résidence en mars. Lui, l’admirateur du maître Courbet, a réalisé son portrait au côté de son autoportrait, en très grands formats. Impressionnants. Et deux de ses immenses toiles, plus anciennes, occupent aussi ces vieux murs délabrés. Une forêt, qui pourrait être jurassienne, sombre et irréelle, et « A l’Est d’Eden » , une scène dramatique où d’innombrables fauves se dévorent.
Une toile m’a frappée particulièrement (je ne l’ai malheureusement pas en photo). Ming a peint la colonne Vendôme démolie, tombée à terre. En effet, pendant la Commune, Courbet a été accusé d’avoir contribué à son démontage et condamné à payer sa reconstruction. Ça l’a ruiné. Cette peinture du chinois dijonnais montre le socle, et au pied, le cadavre de la colonne. On a vraiment l’impression d’un corps… Dans les habituels blancs de Ming, à la limite du gris, comme une neige salie de poussière. Ambiance fantôme. Rien d’autre que ce socle et cette colonne démolie. Une grande surface pour dire juste cet évènement symbolique.
Mon mois de mai 2019 a été marqué par cette visite à Paris, à la fondation Cartier, de l’exposition « Jeunes artistes en Europe ». (jusqu’au 16 juin)
Un formidable travail de l’équipe de cette fondation Cartier qui, après un premier « tri » d’au moins 1000 jeunes créateurs, est partie à la recherche d’une sélection d’artistes dans 29 pays. Ils en ont vu 200 et ont fini par en garder 21, assez représentatifs des tendances de l’art jeune actuel.
C’est forcément un choix. On peut critiquer. Mais moi je trouve cette initiative formidable.
Leurs pays d’origine, à tous ces jeunes, né en gros entre 1980 et 1990, sont Portugal, Danemark, Russie, Italie, Pologne Angleterre, Grèce etc (France un peu aussi!!!). Beaucoup vivent ailleurs dans le monde. S’il faut retenir des fils rouges reliant tous leurs travaux ici présentés, je dirais une attache forte au passé, un besoin de rassembler des morceaux et une présence solide aux temps actuels.
Evgeny Antufiev (Russie)
Le passé? Les références à autrefois sont nombreuses. Marion Verboom (France) s’inspire des colonnes grecques, des pyramides égyptiennes ou des temples incas…Evgeny Antufiev (Russie) convoque les civilisations anciennes, celles des Scythes, étrusques, égyptiens… Nika Kutateladze (Géorgie) reconstruit de vielles maisons abandonnées de son pays…Kostas Lambridis (Grèce) s’intéresse à l’art décoratif du XVIIIème siècle florentin…
Kostas Lambridis (Grèce) « The Elemental Cabinet »
Des morceaux? Pas mal d’oeuvres sont constituées de fragments rassemblés. Des mélanges de matériaux et de styles disparates, des associations de pièces… Ou même des figures hybrides, comme celles de Georges Rouy ( peintre anglais). Pour Raphaela Vogel (Allemagne) ce sont des peaux de bêtes constituées de différents morceaux de cuir peints. Pour Alexandros Vasmoulakis, ce sont des collages géants. Pour Hendrickje Schimmel (Pays Bas), des patchworks pour créer des vêtements.
Raphaela Vogel (Allemagne)
Les temps modernes? L’esthétique est très contemporaine. Et les préoccupations d’actualité. Le recyclage, bien sûr: Andrea Trimarchi et Sione Farresin (Italie) inventent un beau design fait d’objets récupérés. Kris Lemsalu (Estonie) place aussi des objets récupérés dans ses sculptures et installations. Mais ces jeunes artistes portent également une réflexion sur les grandes problématiques d’aujourd’hui, souvent touchante et profonde.
Pour un an, le jardin de la Banque de France, à Dijon, accueille deux sculptures contemporaines. L’une est de Jean Dupuy (collection Géotec), l’autre de Philippe Ramette (Galerie Interface).Tout renseignement à la Galerie Barnoud, contact@galerie-barnoud.com
Interdiction de pénétrer dans le jardin de la banque! On en est réduit à regarder les deux oeuvres depuis la rue des Godrans, derrière les hautes grilles. Qu’à cela ne tienne, cette distance et cet éloignement font partie de la raison d’être de ces deux sculptures. En tout cas, c’est ce qu’on nous explique. Comme s’il fallait justifier leur présence. L’art contemporain aurait-il toujours besoin qu’on l’excuse….
Quand le mur qui séparait ce jardin de la rue des Godrans a été démoli et qu’est apparu le bel hôtel particulier de La Thoison (XVIIème siècle) dans son cadre de verdure, tout le monde était content. C’est vrai! Super belle idée! Et maintenant, de l’art contemporain vient s’ajouter. Moi, ça me va! Encore une belle idée! (Inutile d’essayer de légitimer le choix de ces oeuvres placées là. C’est énervant!)
« Here » c’est la sculpture de Jean Dupuy. Des lettres géantes en acier qui disent « ici » en anglais. Si vous regardez bien, les parties découpées représentent des flèches. Dans tous les sens. Toutes les directions. Idée du lieu où l’on est et des lieux virtuels où l’on pourrait se rendre. Ici et ailleurs. Là et partout. Réflexion possible sur la présence de quelque chose ou de quelqu’un à un endroit, à un moment…
« Point de vue », c’est la sculpture de Philippe Ramette. Une chaise placée très haut, au sommet d’un poteau. L’artiste est connu pour ses performances (photographiées) basées sur l’équilibre improbable ou la position humainement impossible. Ici, on s’attendrait à le voir s’asseoir sur cette chaise et contempler le monde sans vertige aucun. Mais ce serait sans doute trop simple pour lui! En tout cas, notre regard monte vers ce siège. On aime l’absurdité de sa présence et l’idée du point de vue élevé! Avec Dupuy, c’est « ici », avec Ramette, c’est « là-haut »! Façons de voir… Questionnement sur la réalité…
Commentaires récents