Lionel Verrier est un habitué de la galerie Dazy depuis [...]]]> Pour une fois me voici dans la galerie Christian Dazy! Une première! Et ravie de ma visite! L’exposition « Intérieurs de collectionneurs » de Lionel Verrier m’a paru intéressante et je vous la conseille. C’est un beau travail de peintre. Place des Ducs, Dijon, jusqu’au 30 juin.

Lionel Verrier est un habitué de la galerie Dazy depuis 20 ans (paysages de vignes, marines etc). Mais cette fois, le travail qu’il a effectué est différent. Et difficile. Et passionnant.  Il a mis quatre ans pour réaliser ces toiles exposées là. Il s’agissait de placer un tableau d’un maître célèbre (Matisse, Picasso, Léger, Gauguin, Modigliani, Warhol etc) dans un décor d’intérieur, à la manière d’une nature morte. Le tableau dans le tableau. L’image dans l’image.

Mais là où le travail de Lionel Verrier est subtil, c’est que l’espace où est installée la toile célèbre s’harmonise totalement avec elle.  Il y a interpénétration.  Lignes, teintes, formes, représentation figurative des objets qui accompagnent la toile… Tout se tient, tout est lié.  Et le jeu consiste à chercher les rapports, les relations, les points communs, les références, les correspondances.  Il est intéressant de voir comment Lionel Verrier cherche à créer le même univers que celui du tableau reproduit.

Christian Dazy précise que ce travail est dans la lignée du groupe de La Réalité Poétique.  C’est vrai que ce mouvement d’artistes des années 50 avait le même usage des larges aplats de couleurs franches et vives, le goût pour les peintures pleines de lumières et de bonheur (jamais de mal, de laideur, de tristesse), l’habitude de représenter des intérieurs intimes avec objets, meubles et motifs d’arabesques sur les tissus… Ils cherchaient à donner une interprétation lyrique de la réalité et faisaient de la peinture figurative , certes, mais poétique.  L’exposition de Lionel Verrier devrait vous rappeler tout cela.  (Son travail ici évoque en particulier certaines toiles de Jules Cavailles).

Parmi tous les détails qu’il faut observer dans ces tableaux de L. Verrier, vous remarquerez les jeux de miroirs qu’il s ‘est amusé à faire.  Curieux de voir une image d’artiste célèbre s’inverser soudain dans une glace qu’a introduite le peintre… Et ces portes entre-ouvertes, ces tiroirs de commode pas tous refermés, ces petits sacs de boutique chic…Des symboles? De clins d’oeil? Des rapprochements ?

Sachez cependant que vous ne trouverez pas, dans cette expo, une émotion vraie se glissant vers vous, venue des profondeurs de la toile, s’échappant d’un cœur d’artiste, d’une personnalité sensible qui se confie à vous.  Non.  Là n’est pas le but. C’est un beau travail plastique, consciencieux, réglé, réussi… Une belle technique.  Et la recherche picturale, le rendu d’un monde de peintres (celui d’avant et celui d’aujourd’hui) suffisent pour cette fois à rendre heureuse la visite.

Lire l’excellent papier de Jonas dans dijonscope du 26 mai. Il raconte, entre autre, la mise en scène concrète que le peintre a fabriquée pour chacune de ses toiles. Étonnant.

Cliquez sur le visuel pour agrandir (« Léger, légère »)

Vous aurez de la peine à deviner le sujet commun aux exposants en entrant dans la galerie [...]]]> Chiaroscuro, c’est le fameux clair-obscur du Caravage, repris magistralement par Rembrandt. Et voici que la galerie Nü Köza (rue Charlie Chaplin, à Dijon) a choisi une déclinaison sur ce thème avec plusieurs artistes. A voir jusqu’au 31 mai.

Vous aurez de la peine à deviner le sujet commun aux exposants en entrant dans la galerie Nü Köza.  Aucun fil conducteur à priori.  Chaque artiste y va de sa propre interprétation. Souvent, on est loin de l’idée de contrastes entre ombre et lumière.

Le plus proche est sûrement le photographe Nicolas Potier avec son très beau triptyque qui joue avec ce clair (au centre) et cet obscur (les deux autres panneaux). On pense à une vision  tragique de l’existence qui serait illuminée par la seule présence de la nature (ici, les arbres).

Jérémy Page, lui, a gravé le portrait du Caravage sur une peau de vache (oui oui).

Okiko, fidèle à lui-même, nous donne des super dessins au crayon dans son style un peu gothique. La mythologie réinventée par lui.

Mazoyer a bien joué le jeu,  en juxtaposant deux peintures grand format, deux allégories à sa manière. L’une plongée dans une obscurité nocturne où les choses se définissent à peine et l’autre éclairée d’une lueur étrange, venue des profondeurs.

Fabienne Adenis a préféré, elle, reprendre l’idée de la tête de Méduse (qu’avait peinte le Caravage) et elle a sculpté aussi le thème de Narcisse. (Qui admire son reflet dans l’eau)

Romain Vicari présente une installation d’objets qui passent de l’ombre de la banalité à la lumière de la galerie d’art……Enfin, j’ai vu ça comme ça.

Et puis Fabien Lédé nous fait un clin d’oeil (ou un pied de nez?) en nous laissant deux-trois oeuvres avant de partir vivre sa vie en Pologne. Ses têtes taillées à la tronçonneuse, par exemple, jetées pêle-mêle dans un caddie. Des vanités???

Vous aurez compris que je suis plus enthousiaste que ça d’habitude au retour d’une expo chez les Nü KÖza….On les aime bien nos jeunes (plus tant que ça, jeunes, quand même, le temps passe hein? !!!) de Nü Köza mais, des fois, ils démarrent sur une belle idée mais manquent un peu de rigueur pour la mener à fond. Je n’ai pas évoqué tous les artistes présents, allez-y vous-même vous faire une opinion. Et dites-moi.

Je devrais aussi voir davantage leurs lectures, rencontres, projections, musiques, performances…Nü Köza c’est pas juste une expo de temps en temps. Je sais. C’est un vrai lieu créatif fait de multiplicités.

La Galerie La Source ronfle et grince de ses hauts fourneaux, aciéries, laminoirs, usines et moteurs [...]]]> L’exposition à La Source (Fontaine-lès-Dijon),  en mai 2012,  portait le nom de « Ballet mécanique ». Le peintre Daniel Carette avait en effet choisi d’axer son dernier travail sur un thème qui le touche particulièrement: l’industriel. Et le résultat était convaincant.

La Galerie La Source ronfle et grince de ses hauts fourneaux, aciéries, laminoirs, usines et moteurs divers..  Un sujet plutôt rare dans un travail pictural (encore qu’il y a eu des antécédents) . Mais Daniel Carette traite cela avec une sensibilité poétique tout à fait touchante. Histoire de mémoire, chez lui. Histoire personnelle. Dans sa jeunesse, en effet,  il a été confronté à cet univers difficile de la métallurgie de l’Est de la France. « Ce passé me rattrape, il me faut en parler », dit-il.

Voilà donc une peinture figurative qui affronte une réalité de plein fouet, la montre, la détaille et la fouille sans hésitation. Une réalité réputée brutale, bruyante, impersonnelle, inhumaine. Une réalité moche (mais nécessaire). Et pourtant, au travers de cette violence-même, se joue un opéra à La Source en ce moment…

Tous ces échafaudages de barres rouillées, ces ferrailles,  ces architectures métalliques, ces tuyaux, ces engrenages, ces rouages, ces terrils, ces décharges…accèdent à une beauté surprenante. Quelque chose de bleuté, rosé, doux… Non pas que l’artiste cherche à embellir la réalité, mais il la fait émerger de ses souvenirs adoucis par le temps. L’époque est révolue, pour lui comme pour ce patrimoine industriel-là, et prend donc les flous de l’oubli, s’idéalise, se colore d’une sorte d’attendrissement.

Les images se confondent avec les sensations ou deviennent elles-même des sentiments, les formes ne sont plus qu’ émotions. Pour certains plans rapprochés (particulièrement réussis), la frontière de l’abstraction est vite franchie:  le vécu apparemment concret se traduit par des lignes à la définition presque abstraite. A force de sonder l’intime, de descendre dans les profondeurs de nos mines secrètes, la représentation tangible nous échappe. Et c’est bien.

Si cette peinture (bien que très réaliste) me plaît c’est qu’il y bat un cœur et qu’elle raconte des choses inexprimables.

A noter que Daniel Carette a donné une unité à son expo non seulement par le thème abordé et  l’ambiance créée mais également par les encadrements de ses toiles tous identiques.

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Ici, c’est une affaire de lignes.  Elles s’enroulent, s’emmêlent, se courbent, s’épaississent ou s’effilent (comme des pleins et déliés) , se hachurent, [...]]]> La galerie L’Espace (L’Encadreur, rue Charrue) était fière de recevoir un artiste parisien qui expose en Angleterre, aux États Unis etc, Romain Froquet. L’expo s’intitulait « Ambivalence ». C’était à voir en mai 2012.

Ici, c’est une affaire de lignes.  Elles s’enroulent, s’emmêlent, se courbent, s’épaississent ou s’effilent (comme des pleins et déliés) , se hachurent, zigzaguent, pointillent… La couleur, parfois, s’insinue entre elles.  Et voici soudain que surgit un visage ou une tête d’animal stylisés.   Et puis, l’artiste ajoute quelques traits, superpose, entrelace encore, introduit de l’écriture ou un dessin figuratif à peine visible…

Le geste ample et fougueux de Romain Froquet semble ne jamais vouloir s’arrêter.  Mais en restant dans son cadre, en tournant dans un espace clos.  A l’intérieur de sa coquille. Pris dans une sorte de transe.

Ombres et jeux de teintes aboutissent à de beaux effets de perspective ou de profondeur. Et quand (à voir sur vidéo) l’artiste travaille en volume, ça va de soi! Très chouette.

A L’Espace, ces ensembles de graffs souples et harmonieux font du bien à nous qui regardons.  On y entre facilement.  C’est un beau travail habile et maîtrisé.

Juste un petit regret: que cette œuvre qui relève pourtant du graffiti soit un peu en manque de hargne et de sincérité spontanée.  J’y vois un brin de calculé,  non? Voire de redondances. Je ne demande pas du Basquiat, certes, mais quand même……

J’ai loupé (de peu je suppose) la performance annoncée par la galerie; j’ai vu ces graffs sur la vitrine qui ont été exécutés par l’artiste en direct …(visuel de droite)

Le visuel de gauche est un extrait d’une œuvre exposée par R.Froquet

Le plaisir éprouvé à la visite de cette expo est de plusieurs registres. C’est dire si on en ressort [...]]]> Dans deux salles, le musée des Beaux Arts de Dijon, offrait en mai 2012 une expo de Philippe Gronon. Un travail d’art contemporain passionnant.  Une série de photos des versos de tableaux…Elle s’intitulait « de l’autre côté ».

Le plaisir éprouvé à la visite de cette expo est de plusieurs registres. C’est dire si on en ressort comblé.

- Peut-être, en premier, une satisfaction esthétique:  ces toiles ou bois ou tôles, vus de dos relèvent souvent de l’art abstrait: taches, coutures, usures, collages, ombres etc.  Tout cela porte une qualité plastique certaine.  Le relief des cadres, croisillons et systèmes d’accroche  également.  On peut aussi y voir un art du trompe l’œil, les photos étant d’excellente qualité et reflétant la réalité dans toute sa vérité.  On se surprend à vouloir toucher un bord d’étiquette décollé, un morceau de toile agrafé, un clou, une attache, une rustine… Cette fois, on prend une photo pour de la peinture!  Ordinairement, l’hyper réalisme est accusé de trop ressembler à de la photographie! Ambiguïté!

- Et puis, le tableau, devenu objet historique nous raconte son existence:  son époque, ses voyages, ses restaurations.  On déchiffre les étiquettes, les écritures, les dates, les tampons.  Notre curiosité est en éveil.

- On se plonge aussi dans quelques réflexions sur l’envers des décors, les coulisses, les secrets, les choses cachées… Tout ce qui est réservé à certaines personnes et interdites aux autres.  Le public n’a droit qu’à la façade. Mais le dos a son importance.  Sa nécessité, même.  Souvent bien austère, d’ailleurs,  par rapport à l’œuvre elle-même.  Le contraste entre la peinture et son revers est étonnant. ( « L’origine du monde » et son sexe de femme bien réaliste a un envers archi froid et fermé!) C’est le revers de la médaille!!

- Et notre frustration est vive:  qu’est-ce qu’on a envie de retourner le tableau! (et même si on retourne, c’est fichu! puisque c’est juste une photo! On est doublement frustré! )  Privés! Punis! Contraints à se souvenir, à deviner, à imaginer, à espérer revoir les peintures sur livres ou Internet dès qu’on sera de retour chez soi.  Ce manque (oui! on est en manque!)  est très intéressant également! ça bouscule, ça nettoie des habitudes, ça dérange… Et c’est bien l’objectif de l’art contemporain.  Autre pensée qui nous vient: des œuvres sublimes, célèbres, sans prix et immortelles qui en sont réduites à cet aspect simplissime, rustre et pauvre.  Sont-elles humiliées?  Et nous?  Obligés, pour une fois, de regarder autre chose que l’apparence évidente…

- Je ne voudrais pas y voir de la provoc…Mais quand même, quand quelqu’un vous montre son derrière, vous pensez quoi? …………Mais non, ce n’est pas le genre de l’artiste.

 Le musée Magnin montrait également des photos de cette série de Philippe Gronon, mêlées aux tableaux . Je préfèrais celles du musée des BA.

Le site de Lunettes Rouges nous offrait un papier sympa sur cette expo (12 mai 2012). Il n’avait pas fait la visite lui-même, mais rapportait un commentaire d’un blog  d’une dijonnaise « Rose Chiffon ». Bien vu. Même de dos.

Ici, à Nü Köza (rue Charlie Chaplin, Dijon), c’est un peu comme si on [...]]]> Fabien Lédé, co créateur du collectif Nü KÖza, est sur le point de quitter Dijon. Il déménage pour la Pologne (une histoire d’amour!!)  Du coup, fin avril 2012, il a proposé une expo personnelle à Nü Köza avant de partir.

Ici, à Nü Köza (rue Charlie Chaplin, Dijon), c’est un peu comme si on feuilletait l’album souvenirs de Fabien Lédé. En vrac, on retrouve ses graphismes tourbillons, « hypnotiques » dit-il, ses sculptures à la tronçonneuse, d’anciens dessins attendrissants, des grands dessins plus récents, fougueux, et ses œuvres style electro-pop, parfois naïves parfois trash…

Tout l’univers de l’artiste est réuni (même si, malheureusement, certaines œuvress, parmi les meilleurs, dont son installation de l’ABC, sont déjà parties en Pologne). Ce foisonnement de vie, d’amour et de mort, ces êtres fantasmagoriques qui semblent sortis de légendes intemporelles…

Son style répétitif est là. A la limite de l’obsessionnel. Feutres acryliques ou stylos bille couvrent et couvrent encore les surfaces. Les toiles sont comme tapissées, brodées de milliers de petits points. Ses couleurs franches et vives sont là également.

Et on entre dans l’intimité de ses rêves, de ses envies, de ses pulsions jusqu’à en être gêné!  C’est une œuvre impudique comme celles qu’on peut voir en art brut. Mais c’est aussi pour ça qu’on aime les créations de Fabien Lédé. (Qui se dédouble souvent, prenant des noms d’artiste divers! Max Tobias, Kludzen!!)

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Sans aucun remaniement par logiciel (juste une vitesse de prise de vue élevée) , Ludovic Charron, réussit [...]]]> Dans cette galerie de Talant (place Abbé Pierre, à côté de la mairie), appelée dorénavant « La Galerie », c’est une expo de photos qui a cette fois attiré mes pas! Pas déçue!  « Luminescence » . C’était en avril 2012

Sans aucun remaniement par logiciel (juste une vitesse de prise de vue élevée) , Ludovic Charron, réussit des tableaux étonnamment semblables à des toiles peintes. Une abstraction avant tout esthétique. Pour une fois, on ne se creuse pas la cervelle! On se laisse emporter par couleurs et lignes. C’est beau! Voilà tout! (je crois que j’avais déjà écrit ça pour la dernière expo! Décidément, cette galerie changerait-elle à nouveau de style d’invités?)

Gros plans sur l’eau du port breton, avec ses taches d’hydrocarbure et ses reflets de bateaux multicolores. Jeux d’eau prise en glace aussi. Transparences, ondulations, formes féériques…

Tout ça est simple. Tous les photographes amateurs ont pris ce genre de clichés. Mais cet artiste a la patience d’attendre le coup de lumière ou le petit mouvement de la surface de l’eau qui va rendre l’effet saisissant…Et il recadre l’image (je suppose) pour en faire un tableau digne des plus fortes créations picturales. Et pourtant, c’est différent. Le pinceau et l’appareil photo ne sont pas les mêmes outils. L’œil de l’artiste, son hyper sensibilité aux choses vues et aux émotions qu’elles procurent, par contre, se ressemblent beaucoup.

Pardon pour la mauvaise qualité du visuel